2026年清美考研已于昨天落下帷幕。大家关注的621艺术理论基础科目的真题也揭开了面纱。从题型设置上看，2026年的“621艺术理论基础”完全沿用了2024、2025年的题型设计——三道简答题共90分，一道综述题共60分。稍有变动的是综述题的小题分值，画图部分由30分降为了20分，论述部分由30分升到了40分。可见在史论考试中，论文写作仍然是考察的核心重点。
从知识考察上看，比较意外的是美术史内容高过于设计史。三道简答题的材料话题分别是“审美态度”、“抽象美”、“立体主义”，几乎完全是美术史或者艺术概论中的知识内容；综述题的主旨为“传统文化的现代转化”，案例从美术史或设计史中选择均可。因为对于设计类学科和专业作为主体和核心的清华美院来说，今年的知识范围考查略显意外。这其中既有反押题命题的可能，提醒设计类考生构建全面的知识结构，或许也有回归艺术核心理论本身的考量，突出纯艺术的理论特色。
从考题难度上看，今年总体难度中等偏易。简答题的材料通俗易懂，重点突出，既没有往年生涩的文言文、也没有难以理解的前沿理论，更没有外文文献（某些考研院校的题干有外文材料）。但是，虽然题目相对开放和简单，“好答”和“答好”却是不同的标准。相信今年考题对于大多数认真备考的同学而言，都可以做到“有话可说”的程度，那么筛选高分段的更高要求，则需考生做到“精准扣题”和“言之有物”。
简答一：
简答第一题的材料选自朱光潜1997年出版的《谈美》一书。首先仔细阅读材料，提炼出作者的核心观点。材料中说：“我们三人（木商、植物学家、画家）可以说同时都“知觉”到这一棵树，可是三人所‘知觉’到的却是三种不同的东西。”可见，木商会从价值角度观看古松，植物学家会从生物角度观看古松，画家会从审美角度观看古松，认知差异影响了人们的观看角度。
接下来，我们需要解读朱光潜的观点。作为写过《西方美学史》的美学大家，朱光潜对西方各式美学思想可谓熟稔于心，在这段文字中他刻意突出了画家产生审美的过程（原文：我们的朋友画家什么事都不管，只管审美），与木商在意价值、学者关注种属形成了鲜明对比。这可以联系到西方美学史上，康德对于审美判断（纯粹感性判断）的核心标准——无关利害的喜欢。受康德的影响，朱光潜借此故事阐明审美产生的前提在于审美态度，只有具备超越功利的审美态度，美才会被人们感知。换一个角度来看，三人对于一棵古松的不同态度，也印证了格式塔心理学所强调的知觉能动作用。就视觉感知而言，贡布里希反对洛克的白板说和印象派的“纯真之眼”说，赞同波普尔的探照灯理论和试错法，认为“所见依赖于所知”，所见是大脑对视网膜信号做出能动解释的结果。只不过，贡布里希对“所知”的探讨偏于生理机能层面，朱光潜对“所知”的分析偏于文化背景层面。以上内容，都是基于《艺术概论》中的知识所进行的讨论。
如果我们不熟悉《艺术概论》，也可以结合艺术史或设计史上的案例，来赞同或反对朱光潜的观点。结合朱光潜观看古松的例子，我们也可以论述艺术史上，画家、工艺家、设计师在师法自然时的不同侧重角度，继而造就了不同的作品样貌。比如就中国古代的山水画而言，宋代以来的文人画家逐渐形成了“不求形似”的绘画理念，所以画家关注的不是具体的形态，而是抒发胸中逸气的气韵，说到底就是人的情操。而西方19世纪以后的印象派画家，由于受到了光学理论的启发，他们的观看重点集中在不同光源下的色彩变化。画家的“所知”差异，造成了“所见”不同。说完绘画以后，我们可以进一步探讨工艺史、设计史上的案例。比如在外国工艺美术史中，“田园风味陶器”是一类典型的炫技作品，创始人巴利希极力地模仿自然界动物昆虫的逼真形态，证明自己的细致观察和高超技巧，他所关注的是生物的视觉形态。再如现代设计史中，师法自然超越了形态的模仿，来到了功能的仿生层面，工业设计师更多是从“仿生学”视角来研究自然生物的。大到飞机、雷达，小到衣服上的尼龙扣，都是仿生学的设计应用。
最后，如果我们想联系当下实际，对朱光潜的观点进行延展或补充的话，可以从当代艺术设计的跨学科合作与复合型人才角度切入。朱光潜得出了“认知决定方向”的见地，但是当下我们不应该单纯站队实用的（木商）、科学的（植物学家）、美感的（画家），不应该以“取舍”思维决定我们看待事物的何种态度，而是应该尝试兼备木商的市场判断、植物学家的科学精神、画家的美感把控努力跨界，因为大多数创新，都是从学科的交叉地带逐渐生成的。
简答二：
简答第二题的材料选自吴冠中1980年在《美术》杂志上发表的文章《关于抽象美》。首先仔细阅读材料，提炼出作者的核心观点。材料首先以苏州狮子林的一块石头为例，说明其天然形态下“似狮非狮”的艺术妙态，反衬人工添尾的弄巧成拙。通过这个案例，吴冠中说明了抽象美核心在于“不似之似”，并认为这是中国艺术的精髓。（原文：抽象美在我国传统艺术中，在建筑、雕刻、绘画及工艺等各个造型艺术领域起着普遍的、巨大的和深远的作用）
接下来，我们需要解读吴冠中的观点。结合1980年的时代背景，我们可以联系到吴冠中在改革开放初期提出的“形式美”观点。在之前的文革时期，几乎所有绘画创作都围绕着政治主题展开，为了达到良好的政治宣传和群众说教目的，画家都必须使用写实主义和具象创作的手段，而抽象绘画被看做是西方资产阶层的产物，是脱离人民的。因此改革开放以后，吴冠中率先对主题先行的绘画创作模式进行了反叛，他认为绘画不是文学的附庸，形式不是内容的图解，应该将绘画从沉重的政治主题中解放出来，赋予形式美以独立价值。那么，什么是形式美呢？吴冠中认为“抽象美”是形式美的核心，为了撇清“抽象美”与西方资产阶级艺术的关系，吴冠中着重论述了中国艺术的抽象美传统，证明中了国的抽象艺术与西方抽象艺术的差异，即妙在似与不似之间。
如果我们不熟悉吴冠中观点的生成背景，也可以直接将“抽象美”匹配中国古代的艺术案例进行解读。其中，文人画最能体现“不似之似”的艺术主张，文人兼备文学修养和绘画素养，所以强调“以诗入画”的意境美。由于好的诗词必然源于现实并高于现实，那么绘画也要与现实保持一定的距离，过于具象的表现必然会阻碍观者的想象力，破坏画面的意境美。元代的元四家、王冕，明代的吴门画派、徐渭，清代的八大山人、石涛以及近代的齐白石、潘天寿等画家，都可以用作论述“抽象美”的案例。绘画之外，雕塑可以举霍去病石刻中的循石造型，建筑可以举古代宫殿上的斗拱结构，工艺美术可以举原始彩陶里的抽象图案、宋瓷艺术中开片、窑变等等，不胜枚举。
最后，吴冠中特别强调了“我国传统艺术”，这其实暗含了中西艺术的比较。这需要我们把视野转向西方，比较西方艺术的发展脉络。不难发现，与中国抽象艺术注重“妙在似与不似之间”的中庸观念相反，西方艺术的发展一直在走极端路线。从古希腊罗马再到文艺复兴以后，西方主流艺术走的是具象写实的发展道路。20世纪以后，由于受到“为艺术而艺术”的形式主义思潮，西方现代抽象艺术主张去除一切现实因素（包括物象与情感），克莱夫·贝尔在“有意味的形式”理论中宣称，无论是创作艺术还是欣赏艺术，都不需要从现实世界中携带任何情感。通过中西比较得知，中国艺术的“抽象美”有两点特质：一是抽象源自于现实物象的概括和提炼，而非西方的无中生有；二是抽象承载了现实情感的沟通与联系，而非西方的无情少面。
简答三：
简答第三题的材料选自法国诗人阿波利奈尔在1913年发表的《论立体派艺术家》一文。首先仔细阅读材料，提炼出作者的核心观点。不难看出，阿波利奈尔在文中替受时人指责的立体派画家做了辩护（原文：有人强烈指责新画家艺术家过分热心几何学。然而，几何图形正是图画的立体……），作者认为立体派画家以几何为语法，直觉为导引，通过探索“第四维”等新空间观念，突破了传统绘画的焦点透视的视觉局限。其核心思想在于，现代艺术家不去再现视觉上的真实，而是表现内在直觉的主观体验。
接下来，我们需要解读阿波利奈尔的观点。大多数同学可能对阿波利奈尔比较陌生，无法从其自身经历分析其观点生成的动因。但这道题的考察重点不在于阿波利奈尔，而在于是否理解立体主义与现代艺术。在材料中，作者不断强调古今之间的常量和变量（原文：迄今为止……时至今日……可能有的新度量……在现代画室的语汇中……）。常量在于古今绘画都看重研究空间度量的几何学，变量在于古代的几何学研究的是三维空间（原文：那些学者也不再坚持欧几里得几何学的三维了），而现代画家探究的是四维空间（原文：人们将新度量一概简称为“第四维”）。结合立体主义的知识点，我们知道立体主义的核心是追求几何形体的美，追求形式排列组合所产生的美感。立体主义打破了传统的焦点透视，否定了从单一视点观察事物和表现事物的传统方法，把从不同的视点所观察和理解的元素形诸画面，从而表现出时间的持续性，时间性也正是阿波利奈尔所说的“第四维”这一新度量。
最后我们可以思考一下，阿波利奈尔乃至立体主义对当下的艺术设计有何启示。艺术设计的发展大多依赖于惯性思维模式，比如古埃及人坚信“正身侧面律”是最合理的造像方式，古典画家相信透视法则是最科学的绘画方法，亨利·福特之前的厂商相信马车是所有人需要的交通工具，过往的成功经验往往使人产生很强的路径依赖性。然而在当代设计中，设计师需要解决的远不止于传统设计中的视觉美感问题，随着机器视觉、语音交互、触觉反馈及情感计算等技术的发展，传统的设计路径可能已经不适用于新的技术手段。所以立体主义的启示在于，不要被传统的思维与方法限定，这才是所有艺术创新的金科玉律。
综述题：
今年综述题延续了2024年“限定话题”的出题模式，要求考生选择一件能够体现“传统文化创造性转化”的艺术或设计作品，画出图像后进行个案分析。
一、画图部分。
在画图之前，首先应该写清楚所选作品的基本信息，至少应该包括作品名称、作者和创作时间这三个信息要素。画图时最好先用铅笔打稿，然后以中性笔描边，以白描风格呈现，保证卷面的干净清爽。对于材质细节、功能结构等难以图示之处，可以用标注文字进行注解。
二、论述部分。
这道题的案例选择非常宽泛，只要在艺术设计的范畴中（文学、音乐、戏剧、舞蹈除外），选择对传统文化开发利用的案例均可。设计史可以用传统纹样的转化（如四神纹、宝相花、吉祥图案）、传统作品的转化（大英博物馆《秋林读书图》、上海世博会《清明上河图》）、传统工艺的转化（乡村振兴与非遗工坊）、传统美学的转化（柳宗理《蝴蝶凳》），美术史也可以用徐冰《天书》、《凤凰》等作品阐述现代艺术中蕴含的传统文脉思考。
那么在大多数同学都有话可说，有例可写的基础上，如何才能拿高分呢？关键词在于题干中的“方法”二字——即对个别案例进行学理化阐释。换言之，考官不仅希望看到某个人做了什么事，这只是“史”的层面。同时希望考生通过这个案例，归纳出一条可遵循、可复刻的方法路径，为今后的实践指明方向，这才是“论”的层面。所以就这道题而言，我们需要考虑的不仅仅是哪个案例体现了传统文化的现代转化，也要总结和提炼这则案例具体的转化方法和创新路径，还要思考这一方法和路径是否具有一定的共通性。这个方法是否可以被后人遵循？还是说只是某个设计师不可效仿的天才创意。
另外，综述题的论述部分也要遵守基本的论文写作规范，
标题（观点 + 研究对象）、
引言（话题语境 + 作品信息 + 分析角度）、
论证（分论点① + 分论点② + 分论点③）、
结尾（总结论点 + 启示意义）
四大结构缺一不可。另外全文需要以一个核心论点（传统文化的转化方法）贯穿始终，做到论点和论据对应适配。
